Artigos

O artigo tem como foco a obra de Eduardo Medrado e Kleber Rodrigues, compositores cujo projeto estético tem buscado apontar novos caminhos para a música das escolas de samba. Tendo como fundo teórico as reflexões feitas por Jonathan Stock, Jesse Ruskin e Timothy Rice sobre a etnomusicologia do indivíduo, pretendo compreender a posição ocupada por essa parceria no contexto do carnaval carioca contemporâneo, identificar os procedimentos melódicos e harmônicos utilizados em suas composições, além de dimensionar o seu papel de reação não somente ao modelo de samba-enredo vigente, mas também às próprias estruturas de poder das escolas de samba.

Neste trabalho, abordamos uma proposta de leitura de canções populares para além de uma fruição intuitiva apenas ou de uma consideração somente da letra. Apresentamos possibilidades de leitura instrumentalizada, fator que pode conferir ao ouvinte da canção acesso a possibilidades de efeitos de sentido manifestados por meio da sincretização da letra aos aspectos musicais de forma mais ampla. Apontamos pressupostos teóricos no âmbito da semiótica de linha francesa, da semiótica aplicada à canção e da retórica que podem constituir um evento de letramento especí­fico: o cancional. Essa demanda se evidencia não somente pela relevância que a canção possui na sociedade contemporânea, como também pelo que preconiza a BNCC sobre habilidades a serem trabalhadas em diversas etapas da educação. Com uma fundamentação teórica interdisciplinar, demonstramos como a canção pode operar como uma situação retórica, articulando-se as tradicionais provas de persuasão: logos (a questão tratada), ethos (a imagem do orador), pathos (as paixões do auditório), tendo a melos (aspectos musicais) como parte da cena enunciativa criada pelo texto cancional. Para este fim, analisamos a canção buarquiana "Geni e o Zepelim" e apresentamos uma proposta de transposição didática para o trabalho com canções em sala de aula.

A metodologia empregada na pesquisa de 1938, realizada no Norte e no Nordeste do Brasil, e a influência da colaboração de Mário de Andrade, Oneyda Alvarenga e Dina Dreyfuss Lévi Strauss.

Neste artigo, reporto-me à minha pesquisa junto a uma família de músicos da periferia de Fortaleza, que organiza um projeto social de ensino musical em sua própria casa. Refletindo sobre aspectos surgidos em campo, procuro tratar desse fazer musical sem reiterar os pares de oposição que frequentemente ordenam nossas investigações sobre fazeres artísticos (erudito/popular, formal/informal, dentre outros).Discuto a etnografia dos “afetos musicais” como uma forma de abordar a relação dessa família e dos demais que frequentam o projeto em que ensinam, com a prática musical erudita e, de forma mais ampla, com a música, entendendo-a nos termos de DeNora (2000) enquanto uma “estrutura propiciadora”. Dessa maneira, distanciando as análises antropológicas do objeto musical propriamente dito, ilumino aspectos outros do cotidiano desses sujeitos que estão intimamente relacionados com os musicares que são elaborados e ensinados naquela casa-escola.

Nesta coletânea de fôlego, as editoras Suzel A. Reily e Katherine Brucher apresentam um vasto panorama composto por dezenas de artigos oriundos de diversas partes do globo, que trazem em comum o esforço de discutir as várias possibilidades de conexão entre as noções de musicar e localidade. Ao longo destes vários artigos, apreendemos o papel da música para além das leituras mais restritas que tendem a focar apenas na obra, no produto. A articulação entre a produção da localidade e o musicar como um complexo emaranhado de construção de significados e de encontros sociais é apresentada nos mais diversos contextos nesta coletânea.

A noção de musicar local vem sendo experimentada em um projeto temático do qual as três organizadoras deste dossiê participam. Desde 2016, temos orientado nossas pesquisas em torno desta expressão que une o conceito de musicar – traduzido de musicking de Christopher Small – com a noção de localidade, pensada a partir das considerações de autores como Arjun Appadurai e Ruth Finnegan. Musicar, na acepção de Small (1998), é utilizado para se referir a qualquer forma de engajamento com a música, entendida não apenas em seus aspectos formais (a obra musical), mas igualmente como performance, fruição, consumo, transmissão musical etc.

Nesta coletânea de fôlego, as editoras Suzel A. Reily e Katherine Brucher apresentam um vasto panorama composto por dezenas de artigos oriundos de diversas partes do globo, que trazem em comum o esforço de discutir as várias possibilidades de conexão entre as noções de musicar e localidade. Ao longo destes vários artigos, apreendemos o papel da música para além das leituras mais restritas que tendem a focar apenas na obra, no produto. A articulação entre a produção da localidade e o musicar como um complexo emaranhado de construção de significados e de encontros sociais é apresentada nos mais diversos contextos nesta coletânea.

As fontes de referência da pesquisa de Mário de Andrade sobre as características das melodias populares que colecionou e publicou em 1928 no livro Ensaio sobre Música Brasileira

Nos últimos anos, um grupo amplo de pesquisadoras5 tem buscado novas trilhas para a produção etnomusicológica.Em diálogo com as contribuições clássicas da etnomusicologia, apostamos que a noção de “musicar” – tradução adotada para o termo musicking, cunhado pelo etnomusicólogo e compositor Christopher Small (1927-2011) – propõe um horizonte analítico capaz de reorganizar focos e atenções nas práticas de análise, enriquecendo a maneira como são produzidas, pensadas e analisadas as práticas musicais contemporâneas. Nesse ímpeto, propomos o presente dossiê da Revista do Instituto de Estudos Brasileiros como contribuição a esse rico debate. Nesse sentido, nosso empreendimento se filia a um projeto coletivo que tem procurado ampliar o escopo de investigação sobre práticas musicais, de maneira a incluir distintos modos de engajamento com a música. O título do dossiê – “Eu musico, tu musicas, nós musicamos” – parodia o título do famoso livro do autor neozelandês, Musicking (SMALL, 1998).

One of the most striking features of the music of samba schools, the samba-enredo, is its high degree of formularity, manifested in the works of many composers from diverse epochs and stylistic tendencies. In this article, I intend to relate this phenomenon to the popular (oral) conscience model that still exists in the samba schools, and also to the fact that samba-enredo is embedded in a capitalist logic that ranges from the cultural industry in which it takes part to how works are chosen for performance in Carnival.

Através da apresentação de algumas das estruturas musicais mais recorrentes no samba-enredo dos últimos trinta anos, o presente artigo procura estabelecer uma terminologia para tais fenômenos e fazer uma reflexão sobre o processo de padronização sofrido pelo samba-enredo, tendo como base o conceito de mudança musical sugerido por John Blacking.

A Festa da Moça Nova, a iniciação feminina dos Ticuna à vida adulta, é um ritual em que a música deve soar a todo momento. Como atestam muitas narrativas míticas sobre as festas que foram negligenciadas, as moças que foram deixadas “no silêncio” acabaram sendo raptadas por seres mal-intencionados. Tudo indica que esses rituais, quando bem realizados, reforçam a perspectiva acústica Ticuna (Magüta), garantindo que as moças permaneçam como ‘pessoas-de-verdade’ (du’ü ̃güü ̃chi).

This piece reflects upon a research at a musical education project located at a neighborhood distinguished by its inequality and social vulnerability, in Brazil. Organized by a family in their own house, the school is dedicated to the teaching of classical music to the peripheral youth, but is also the stage of many other activities that do not concern directly music teaching – the interactions between children and teens, their playing games, commenting between rehearsals, dancing, organizing parties and cooking. These moments become a significant part of their music making in daily life. By observing, pointing and using the engaging of the senses in four situations lived and shared with some of the children during the fieldwork, this piece intends to produce a multimodal account about the subject, also reflecting upon the status of the adult researcher on such an attempt.

Este artigo se insere em um conjunto de elucubrações sobre arte e política que venho realizando ao longo da última década. Diversamente de outras publicações, meu foco aqui é a relação entre música e política ou, antes, o musicar terrorista de uma artista específica, Linn da Quebrada. Interessa-me como esse musicar afeta a construção de uma localidade e é construído mutuamente por ela, criando coalizões que servem de semente para comunidades imaginadas dissidentes que são também comunidades de prática. Posteriormente, utilizo tanto desidentificação, tal como conceituada por José Estebán Muñoz, quanto a noção de reXistência (nossa, política, cotidiana) para refletir sobre algumas motivações inerentes a esse musicar, atentando de que maneira a aproximação entre música e política faz qualquer sentido formalista de estilo musical hesitar. Por fim, em minhas alucinações finais, aciono questões relacionadas à colonialidade do pensamento e dos corpos para pensar que musicar e localidade confluem na criação de esferas públicas éticas e estéticas na qual a lógica dominante do CIStema colonial e necropolítico não é régua comum.

Este artigo apresenta um projeto de extensão universitária, dedicada ao canto e à canção, em consonância a reflexão em torno ao patrimônio histórico e cultural da cidade de Santo Amaro - Bahia. A análise parte de uma atividade que buscou integrar um grupo de mulheres da maturidade em tempos de pandemia e de isolamento social junto às atividades do canto coral, aos estudos da canção e o atendimento à comunidade local. Para isso, foi produzido um vídeo, motivado pela canção Trilhos Urbanos, de Caetano Veloso, que tematiza e evoca memórias da cidade. No conceber e realizar, coletivamente, o vídeo, para além de uma experiência interessante de construção comunitária, revelou-se um produto interessante e uma atividade de educação patrimonial. Por fim, o exercício de organizar um grupo, produzir um vídeo e refletir sobre o conteúdo que ali foi exposto permitiu perceber como o patrimônio, para além das políticas de governo, pode ser constituído, interpretado e pleno de sentidos. Assim, foi possível observar que as noções e as ações de patrimonialização, em suas modalidades material e intangível, podem também emergir, de modo contundente, por meio de uma experiência sutil com as canções e com a memória.

Palavra-chave: Canção, imaginário e patrimônio

Resumen: Este artículo presenta una reflexión sobre las trompetas rituales de los indígenas ticuna de la Amazonía, Brasil. En primer lugar, muestro cómo se construyen y cómo se utilizan estos instrumentos durante los rituales de iniciación femenina, las Fiestas de la Moça Nova. A continuación, paso a considerar la inserción de estas trompetas en el complejo de las ‘flautas sagradas’ sur-amerindio, los cambios relativos al tabú de estos instrumentos, la antigua asociación de estos últimos con el uso del rapé cawü y el pensamiento ticuna sobre el ‘soplo’. Para concluir, hago una breve consideración sobre el mito fundador del origen de la interdicción sobre las trompetas y del origen de la reclusión de las muchachas en sus primeros ciclos menstruales.

O presente artigo busca compreender de que maneira as ideias de Constantin Brailoiu manifestadas em "Esquisse d’une méthode de folklore musical" estiveram presentes no círculo intelectual de Mário de Andrade durante sua gestão à frente do Departamento de Cultura da Cidade de São Paulo, além de procurar paralelos entre os pensamentos dos dois autores na própria produção de Mário como pesquisador de campo, mais especificamente em "O samba rural paulista".

Bien que les musiques du monde, en tant qu'elles représentent particulièrement bien les processus d'échanges culturels et commerciaux du monde globalisé, aient été un terrain fertile pour les études sur l'hybridité, peu d'attention a été accordée à l'expérience des musiciens participant à cette scène musicale. Partant de l'idée de Timothy Rice (2003) d'une ethnographie musicale basée sur le sujet, le but de cet article est donc d'examiner l'hybridité à partir des pratiques et des discours de Charles Kely Zana-Rotsy, chanteur et guitariste malgache installé en France depuis plus de 15 ans. Nous soutenons que l'œuvre et l'histoire de la vie de Charles contribuent à éclairer des questions telles que la « tradition du métissage » (Rabeherifara et Raison-Jourde 2008) de la musique malgache ; l'ambivalence entre célébration du mélange et restriction de son utilisation dans la scène des musiques du monde ; et la notion de concordance des éléments en hybridation (Mallet 2019) non comme une valeur unanime, mais en dispute par les différents acteurs qui composent un réseau de sociabilité.

O artigo apresenta dados de uma etnografia realizada entre 2017 e 2019, num bairro periférico da zona sul de São Paulo, onde acontecem bailes funk de rua conhecidos como fluxos. Proponho uma análise dos fluxos a partir do verbo-conceito de musicar do neozelandês Cristopher Small (1998). Sob tal perspectiva é fundamental entender todos os agentes engajados na produção da festa, mesmo aqueles que aparentemente não estão produzindo música, e mesmo aqueles considerados não-humanos. Que outros elementos estão por trás de uma manifestação musical nas ruas de uma quebrada, além dos elementos sonoros propriamente ditos? No caso dos fluxos, veremos a centralidade dos sistemas de som de funk nesse musicar e que tipo de sensações e reações eles causam. Os fluxos de funk se mostram como um musicar específico que demarca um tipo de paisagem sonora das regiões periféricas da cidade. O funk e a festa atuam na construção sentimental e simbólica dessas localidades e na produção de identidades compartilhadas.

Este texto apresenta o processo de realização do curta Toré - com ênfase na etapa da montagem, filmado entre os Kariri-Xocó, povo indígena de Alagoas, em uma área de retomada de terras. A proposta do filme foi a de encontrar ressonâncias e equivalências audiovisuais à experiência de imersão junto aos cantos indígenas. Esta reflexão apresenta os caminhos conceituais e técnicos em que esta produção audiovisual firmou sua base, e advoga por uma proposta do uso do audiovisual como “tradução” de uma experiência nas performances musicais.

Neste trabalho, abordamos a canção buarquiana “Geni e o Zepelim” cujo diálogo com temas gênero, sexualidade e sociedade, ainda hoje polêmicos, é um traço temático. Demonstraremos, por meio de uma análise discursiva, em um modelo teórico-metodológico interdisciplinar, como a canção pode, e deve, socialmente operar como uma situação retórica a fim de modificar estruturas ideológicas que hierarquizam relações de poder baseadas em preconceitos. Evidenciaremos como se acionam as tradicionais provas de persuasão: logos (a questão a ser tratada), ethos (a imagem do orador), pathos (as paixões do auditório), articuladas a melos (aspectos musicais da canção) como componente persuasivo.

Although music’s ability to alter the perception of the passage of time is well known, a better understanding of how it works in practice is still needed. In this regard, studies on temporal agency such as those by Flaherty (2011) and Hitlin and Elder (2007) have become important references, as they seek to identify the parameters on which individuals base themselves in the making of time. Based on an ethnography centered on Julio Valverde, a 78-year-old Brazilian cook and composer, I intend to show how his different forms of musicking are capable of shaping both his own experiences of time (“I make my own time”, as he often says) and those of the people of his intimate circle. In addition, I try to discuss issues related to Julio’s aging, both with regard to his musical flourishing and his peculiar vision of past, present, and future.

Esta conversa com Djuena Tikuna aconteceu poucos dias antes do Indígenas. BR – Festival de Músicas Indígenas, organizado pela etnomusicóloga Magda Pucci. Djuena e eu participaríamos de um bate-papo sobre música ticuna tradicional e contemporânea no dia 7 de setembro de 2021.1. A data é bastante significativa, dia da Independência do Brasil, e naquele momento também bastante turbulenta em virtude de acontecimentos políticos importantes para o movimento indígena. Manifestações, tanto da direita quanto da esquerda, estavam marcadas para acontecerem em todo o Brasil. Naquele mês, cerca de seis mil pessoas, de 170 povos indígenas de todo o país, acamparam na Esplanada dos Ministérios à espera de um julgamento, pelo Supremo Tribunal Federal, da chamada tese do “marco temporal”.

Em 2013, uma família de jovens músicos no estado do Ceará iniciou um projeto de educação musical na sua comunidade. Funcionando na sua própria casa, no bairro Novo Mondubim, um bairro popular situado na periferia sudoeste da cidade de Fortaleza, a família Cruz se organiza entre seus oito membros (a mãe, o pai e os seis irmãos) para ensinar música erudita às crianças do bairro. A partir da discussão de um trecho da etnografia do cotidiano do projeto, em que brincadeiras e apresentações musicais se alternam e se complementam, este ensaio propõe uma abordagem desse fazer musical erudito que considere a experiência dessas crianças e suas próprias narrativas a respeito do que é tocar e das formas como elas, às suas maneiras, refletem sobre a prática musical ali empreendida.

O presente artigo tem por substrato a pesquisa de mestrado intitulada O Museu Vivo do Padre Cícero e seu Projeto Educativo, que está sendo desenvolvida junto ao Programa de Pós-Graduação em Artes – PPGARTES, do Instituto Federal do Ceará. Em sentido amplo, realizamos uma reflexão sobre a configuração expositiva dos museus, na condição de espaço educativo, a partir da investigação a cerca do Projeto Educativo do Museu Vivo do Padre Cícero, instituição situada na cidade de Juazeiro do Norte – CE. A questão norteadora da pesquisa consiste em problematizar o espaço do Museu Vivo do Padre Cícero, compreendido enquanto instituição de educação não formal, contemplando e discutindo as principais instâncias de seu projeto educativo. Tomando como referencial teórico estudos das pesquisadoras Ana Mae Barbosa, Rejane Coutinho, Maria Isabel Roque e Carla Padró Puig, estabelecemos relações entre os conceitos de “educação em museus” e o projeto do museu em questão, identificando o lugar que as ações educativas ocupam em seu projeto institucional. Considerando as dinâmicas da contemporaneidade, refletimos sobre a pertinência da concepção do projeto expositivo do Museu Vivo do Padre Cícero, a qual foi idealizada há quase duas décadas, mantendo-se, até hoje, fiel ao seu projeto original, a despeito das novas tendências curatoriais.

A busca por uma arte genuinamente brasileira foi um dos nortes da Semana de 1922. Essa era uma das faces do nacionalismo exacerbado que ocupava o debate intelectual do início do século passado. Nacionalismo que se revelou particularmente contraditório e violento a partir dos anos 1930, quando governos autoritários em diversos países usaram da força física em nome da ideia de pátria e unidade racial. Arte e política, inevitavelmente, se afetam e se misturam e lidam com os mesmos temas. A ideia aqui é refletir sobre algumas dessas afetações mútuas no campo da música. Se o nacionalismo foi uma questão central da primeira geração modernista, quais são as questões primordiais encampadas pela cena musical brasileira contemporânea? Como os artistas da música de hoje reverberam ou transformam legados reflexivos do modernismo dos anos 1920 e 1930?

Partindo da discussão sobre a relação entre os recentes grupos e as tradicionais nações de maracatu, este artigo intenta compreender o papel do corpo como fulcro para pensar a criação e transmissão de conhecimentos e memórias. Discute-se também como o maracatu pode se apresentar enquanto complexo político para os coletivos que o geram, e disputado como instrumento político - enquanto ritmo ou signo de brasilidade - por agentes exógenos a essas comunidades. A partir de uma experiência de campo com o maracatu em uma manifestação política artivista em defesa da democracia, em São Paulo, 2018, propõe-se compreender tal participação enquanto performance geradora de novas localidades.

Fruto de quinze anos de imersão no sertão do Cariri, apresentamos neste artigo um estudo sobre os antigos cânticos de penitência entoados em Juazeiro do Norte (CE). Delimitamos o nosso espaço geográfico à Ladeira Do Horto, região que para muitos devotos, sobretudo para os mais velhos, carrega a presunção de ser um local sagrado, escolhido para a manifestação da Providência. Investigamos as relações sutis que os devotos idosos moradores da “Ladeira” estabelecem com esse repertório musical, verdadeiro estandarte de sua confissão religiosa, mas que por razões bastante delicadas deixou de ser entoado publicamente, mesmo por quem mais o cultua.

Neste artigo, apresento uma etnografia musical de processos de produção
de discos dentro de estúdios paulistanos, descrevendo e discutindo as práticas
criativas observadas. Entre 2011 e 2013, pude acompanhar de perto os
trabalhos de três artistas ativos na cena musical paulistana contemporânea: Tatá
Aeroplano, Rodrigo Campos e Kiko Dinucci. Trago aqui as experiências etnográficas
do disco Tatá Aeroplano e do disco Metal-Metal. Procurei delimitar os
aspectos mais significativos que caracterizam o fazer musical desse grupo sonoro,
fornecendo indícios para uma reconfiguração do disco como objeto artístico no
cenário musical contemporâneo. O disco emerge como agente social que transforma a vida dos artistas.

Tendo como base o documentário "Dois Irmãos", o artigo apresenta uma reflexão sobre o Caruru de Cosme e Damião realizado pela família Valverde no Soteropolitano, restaurante de comida baiana localizado em São Paulo. Ao abordar os aspectos rituais dessa festa, assim como as memórias e os discursos dos responsáveis por sua realização, procuro evidenciar sua capacidade de afirmação da identidade baiana em um contexto de migração.

Fruto de quinze anos de imersão no sertão do Cariri, apresentamos neste artigo um estudo sobre os antigos cânticos de penitência entoados em Juazeiro do Norte (CE). Delimitamos o nosso espaço geográfico à Ladeira Do Horto, região que para muitos devotos, sobretudo para os mais velhos, carrega a presunção de ser um local sagrado, escolhido para a manifestação da Providência. Investigamos as relações sutis que os devotos idosos moradores da “Ladeira” estabelecem com esse repertório musical, verdadeiro estandarte de sua confissão religiosa, mas que por razões bastante delicadas deixou de ser entoado publicamente, mesmo por quem mais o cultua.

Resenha de Audiovisual Ethnomusicology: Filming Musical Cultures, de Leonardo D’Amico.

This text sets out to discuss questions arising from the work of filming Brazilian popular festivals, celebrations and rituals in which music-making involves a process of collective musical production, practices linked to what Turino (2008) has called ‘participatory music.’ By making music together, the participants take part in intense non-verbal social interactions that very often reach a collective climax or trace, an experience difficult to translate into words. How can film express and communicate this type of musical experience involving all the senses? Setting out from technical guidelines developed in a project to film participative musical performances for a documentary series, Taquaras, Tambores e Violas, the text aims to reflect on the potential of the audiovisual medium as an experiential mode that both apprehends the musical context and enables the spectator to access and discover the participatory performances depicted through the evoked experience and senses.

Neste artigo, percorro duas cenas de festas de música eletrônica underground, localizadas uma em São Paulo e outra em Berlim. Tais festas são espaços de experimentação de corpos e prazeres, através da relação entre música, dança, uso de drogas e erotismo. A partir de pesquisa etnográfica e histórica, analiso as relações entre a música eletrônica underground e determinadas formas de sociabilidades e usos do tempo. Para tanto, são mobilizados os conceitos de musicar e de prazer-processo, desenvolvendo a metáfora da pista de dança como um laboratório.